Son art frappe d’abord par sa richesse visuelle : couleurs vives, symboles familiers, références pop… mais derrière cette première couche séduisante, Guive Khosravi bouscule. Entre chaos, ironie et introspection, il crée des œuvres multidimensionnelles, où Snoopy peut côtoyer l’absurde, et où la tendresse flirte avec la noirceur.
On a voulu plonger dans son univers — et dans les paradoxes qu’il manipule avec une justesse déconcertante.
Ton art regorge de symboles et de contrastes visuels marquants. Comment choisis-tu ces symboles et qu’espères-tu qu’ils révèlent au public ?
Je choisis les symboles en fonction de leur capacité à évoquer des émotions et des idées universelles. Chaque symbole porte une signification personnelle ou culturelle qui, mise en relation avec d'autres éléments visuels, crée un dialogue. Mon objectif est d'inciter le public à réfléchir et à interpréter ces contrastes, révélant ainsi des couches de sens qui transcendent l'œuvre. J'espère susciter une connexion émotionnelle et encourager une exploration plus profonde des thèmes abordés.
Tu utilises souvent des références à la culture pop pour critiquer la société. Pourquoi la culture populaire est-elle un outil pertinent pour toi dans cette démarche ?
La culture pop est un miroir de notre société, reflétant ses valeurs, ses contradictions et ses problématiques. En l'utilisant, je peux toucher un public plus large et engager des discussions sur des sujets importants de manière accessible. Ces références créent un lien immédiat, permettant de questionner des normes établies et d'encourager une réflexion critique. C'est un moyen puissant d'initier un dialogue sur des réalités contemporaines tout en restant ancré dans un langage que beaucoup comprennent.
Il y a souvent une tension dans ton travail entre des éléments divertissants et des réalités sombres. Qu’est-ce qui t’attire dans cette opposition ?
Cette tension entre éléments divertissants et réalités sombres crée un contraste saisissant qui capte l'attention. Elle permet d'explorer des thèmes complexes de manière nuancée, révélant la dualité de l'expérience humaine. En mêlant l'agréable au perturbant, j'espère susciter une réflexion sur la manière dont nous percevons et réagissons aux défis de la vie. Cela souligne aussi l'idée que la beauté et la douleur coexistent, invitant le public à contempler cette complexité.
Tes œuvres dégagent un certain chaos. Est-ce une façon pour toi de refléter la complexité et les contradictions du monde actuel ?
Oui, ce chaos dans mes œuvres est une représentation délibérée de la complexité et des contradictions du monde actuel. Il reflète l'incertitude, les tensions et les émotions qui caractérisent notre réalité. En créant une ambiance chaotique, je cherche à capturer la dynamique des conflits internes et externes que nous vivons, tout en invitant le public à naviguer à travers ce désordre. Cela peut offrir une opportunité de trouver du sens ou de la beauté dans l'imprévisible.
Dans Sweet, tu utilises des personnages familiers comme Snoopy pour dévoiler des thèmes de superficialité et de désespoir. Peux-tu nous expliquer ce contraste entre des symboles joyeux et des messages plus profonds ?
Dans Sweet, j'utilise des personnages familiers comme Snoopy pour créer un contraste frappant entre l'apparence joyeuse et les réalités plus sombres. Ce choix souligne la superficialité des images que nous consommons dans la culture pop. En intégrant ces symboles d'innocence, je révèle comment ils peuvent masquer des sentiments de désespoir et de vide. Cela invite le public à réfléchir sur la dissonance entre l'image que nous projetons et les luttes intérieures que nous traversons. Ce contraste rend le message plus percutant, en questionnant nos perceptions de la joie et du bonheur.
Dans Love, tu juxtaposes des scènes du quotidien avec des éléments absurdes et grotesques. Qu’est-ce que tu cherches à exprimer à travers ces combinaisons inattendues ?
Dans Love, la juxtaposition de scènes du quotidien avec des éléments absurdes et grotesques vise à mettre en lumière l'ironie et les paradoxes de la vie moderne. Cette approche crée un effet déstabilisant qui pousse à réfléchir sur la banalité de l'existence et sur les comportements humains. En confrontant l'ordinaire à l'absurde, j'espère susciter des questions sur la nature de l'amour et des relations, tout en soulignant les tensions entre nos aspirations et la réalité. Cela permet aussi de révéler la beauté et l'absurdité qui coexistent dans nos expériences quotidiennes.
Tu aimes dissimuler des messages critiques sous des apparences colorées et séduisantes. Pourquoi choisis-tu cette approche visuelle pour transmettre des idées plus sérieuses ?
Je choisis d'utiliser des apparences colorées et séduisantes pour créer un contraste frappant avec les messages critiques que je souhaite transmettre. Cette approche visuelle attire l'œil et engage le public, rendant les idées plus sérieuses accessibles et moins intimidantes. En dissimulant des réflexions profondes sous une esthétique attrayante, je peux inciter les spectateurs à réfléchir plus profondément une fois qu'ils sont captivés. Cela permet également de remettre en question nos perceptions de la beauté et de la superficialité, révélant que ce qui semble léger peut porter des poids émotionnels et sociaux importants.
Certains de tes personnages ou scènes peuvent choquer par leur côté grotesque. Comment cette esthétique sert-elle ton discours artistique ?
L'esthétique grotesque dans mes personnages et scènes sert à provoquer une réaction émotionnelle forte et à remettre en question les normes établies. En utilisant le choc, je peux aborder des sujets difficiles de manière plus impactante, suscitant la réflexion sur des thèmes comme l'absurde, le désespoir ou la superficialité. Cette esthétique crée un décalage qui pousse le public à confronter ses propres perceptions et à explorer les zones d'ombre de l'expérience humaine. En rendant le grotesque visible, j'espère révéler des vérités souvent ignorées et encourager un dialogue sur les réalités cachées de notre société.
Ton travail combine plusieurs médiums comme la peinture, la sculpture et la photographie. Qu’est-ce que cette approche multidisciplinaire t’apporte dans l’expression de tes idées ?
Cette approche multidisciplinaire me permet d'explorer et de développer mes idées sous différents angles, enrichissant ainsi mon expression artistique. Chaque médium a ses propres caractéristiques et capacités d'évoquer des émotions, ce qui me permet de varier les expériences sensorielles. Par exemple, la peinture peut transmettre des émotions visuelles immédiates, tandis que la sculpture ajoute une dimension tactile et spatiale. En combinant ces médiums, je peux créer des dialogues entre eux, intensifiant le message et engageant le public de manière plus immersive et complexe. Cela ouvre également la voie à des expérimentations et à des surprises, rendant chaque œuvre unique et multidimensionnelle.
Peux-tu nous parler de ton parcours artistique ? Quelles ont été les étapes les plus marquantes pour toi ?
Mon parcours artistique a été marqué par plusieurs étapes significatives. J'ai commencé par m'initier à divers médiums, ce qui m'a permis d'explorer mes intérêts et de développer une approche multidisciplinaire.
Une étape clé a été ma première exposition, qui m'a offert une plateforme pour partager mes idées et interagir avec le public. Cela m'a donné confiance et a affiné ma voix artistique.
Par la suite, des résidences artistiques ont été déterminantes, me permettant de me plonger dans des projets expérimentaux sans contraintes. Ces expériences m'ont encouragé à aborder des thèmes sociaux et culturels de manière plus audacieuse.
Enfin, les collaborations avec d'autres artistes et des entreprises ont enrichi ma perspective et m'ont ouvert à de nouvelles influences, renforçant ainsi ma pratique. Chacune de ces étapes a contribué à façonner mon identité artistique et à approfondir mon engagement envers les messages que je souhaite transmettre.
Quel est le conseil le plus important que tu donnerais à un jeune artiste qui débute aujourd’hui ?
Le conseil le plus important que je donnerais à un jeune artiste est d'expérimenter sans crainte. Explorez différents médiums, techniques et thèmes, même si cela semble éloigné de votre style actuel. Ne vous laissez pas décourager par les critiques ou la peur de l'échec. Chaque expérience, qu'elle soit réussie ou non, vous aide à grandir et à affiner votre voix artistique. En outre, cherchez à établir des connexions avec d'autres artistes et à participer à des discussions, car ces échanges peuvent enrichir votre vision et ouvrir de nouvelles perspectives. Restez curieux et authentique dans votre démarche.
Y a-t-il un fait amusant ou surprenant sur toi que peu de gens connaissent ?
Un fait surprenant sur moi est que j'ai une passion secrète pour la collection d'objets du quotidien que je trouve dans des brocantes ou des marchés. Ces objets, souvent ordinaires, m'inspirent et alimentent ma créativité, car je les réinterprète dans mes œuvres. Cette habitude me permet de voir la beauté dans le banal et d’intégrer des récits personnels et historiques dans mon travail. C'est un petit secret qui nourrit ma pratique artistique de manière inattendue.
Qu’est-ce qui t’a motivé à rejoindre la plateforme Moga ?
Ce qui m’a motivé à rejoindre la plateforme Moga, c'est l'opportunité de partager mon travail avec une communauté engagée et passionnée par l'art. Moga offre un espace pour interagir avec d'autres artistes et des amateurs d'art, ce qui enrichit ma pratique et ouvre des possibilités de collaboration. De plus, la plateforme permet de toucher un public plus large, ce qui est essentiel pour échanger des idées et susciter des réflexions critiques sur des thèmes qui me tiennent à cœur. C'est une chance de faire partie d'un dialogue artistique dynamique et stimulant.
Si tu devais convaincre un autre artiste de rejoindre Moga, quels arguments mettrais-tu en avant ?
Moga, c’est l’endroit idéal pour rencontrer d’autres artistes, donner de la visibilité à ton travail, bosser ensemble sur des projets, profiter de ressources utiles, et surtout échanger autour de sujets qui comptent vraiment.
Ces éléments font de Moga un environnement stimulant pour tout artiste désireux de grandir et de s'engager avec le monde de l'art.
